EB: Jason Hilgefort, founder of L+CC (Land+Civilisation Compositions), since we met at the Shenzhen Biennale in 2019, we have often discussed the value of projects, both in professional practice and in university classrooms, as something that should be broader than architecture itself. In your case, these ideas have also led you to develop local activism projects. At this point, I would be curious to know what your first encounter with architecture (or the idea of it) was and how much it influenced you.
JH: If I have to go back a long way, I think of my father, who was a farmer and decided to start working in the construction industry when I was a boy. In the States, model homes are sometimes built for real estate sales, and I remember going to visit them with him and being able to look at all the working drawings. In fact, for me, my first memory is related to architecture as construction. It may seem trivial, but it involved fixing parts of buildings and seeing it as a business activity: perhaps not exactly architecture with a capital A, which we tend to consider unique and representative. The moment I went to the University of Cincinnati to study urban planning was different, but it wasn’t the university as an institution that changed my mind, but rather the shock of beginning to experience city life. At that time, Cincinnati was full of construction sites by Zaha Hadid, Frank Gehry and Morphosis. The school was designed by Peter Eisenman and, beyond his emblematic figure, it was interesting that the large atrium was designed to continuously showcase the work of art, fashion and graphic design students, forcing me to think beyond the discipline of design. So I would say that the encounter took place as an experience of architecture as a space of collision rather than as knowledge that came from the teaching chair.
EB: Is there a point of connection for teaching architectural and urban design?
JH: To answer that, I’ll mention the approach of a colleague of mine at HKU, Thomas Tsang. He studied at Cooper Union. There, as you know, design is understood primarily as a creative process, and he encourages his students to build a functioning musical instrument as their first project. It’s not exactly my approach, but it gives the idea that in both teaching and practice, it would be useful to have a perspective that is, as he himself repeats, less military and often tense in conveying dogmas and perspectives. Personally, I think it is more interesting to see students moving in ten different directions. This leads us to think of the project, whether taught or practised, in a direction that favours systems and relationships over forms. I am aware that these are important, but I prefer to see how students gradually become aware that their “objects” are such because they are driven by external forces, perhaps distant ones, capable of taking unexpected directions. And that’s the same thing we try to do at L+CC.
EB: To achieve this, I think you need to have a certain attitude or, how shall I put it, performance. In the classroom as in the office. Even if you avoid the term pedagogy, I think you need to engage in a certain kind of confrontation.
JH: Actually, I try to avoid terms like pedagogy as much as possible: in the classroom, as in the studio, I am as you see me here, the way I talk or dress. I try to be as casual as possible to give substance to “let’s do this project together” in the most honest way possible: relaxed and at the same time playful (something that cannot be taken for granted in the Asian educational context). Do you know why? Because I believe that setting the right tone for the conversation, avoiding unnecessary seriousness and perhaps laughing together about architecture, allows us to find pleasure in that mess we call the design process. It makes it more inclusive for the interlocutors and, perhaps three times out of ten, by avoiding the embarrassment of initial ideas and judgement, something fantastic emerges even from fragments that seemed irrelevant. In this way, the project is in progress and not focused solely on the emphasis of effective performance: the end-of-semester project presentations that many teachers love are dangerous devices. I find it more useful to help them understand possible turning points while the project is at the centre of a broader and less vertical discussion.
EB: So would you say that your approach is primarily aimed at making your students curious?
JH: I don’t know if I would use the word curiosity. Whether it’s architecture or landscape, I think it’s important at a certain point to get the student to ask themselves, “How on earth do you do these things?”. Obviously, I mean beyond the mere functioning of an object, to realise independently what is the passion that drives you so much that you imagine yourself completely immersed in this profession in the future. Yes, perhaps curiosity and passion are two sides of the same coin, but I would like to draw attention to the fact that often, here in Asia, studying and practising architecture has always meant – I don’t want to exaggerate with stereotypes – connecting to the idea of an industry rather than a creative process. Many of those who enrol just want to build stuff. One of my goals is to try to show them that there is much more to it than that, and when we meet to discuss the project, to try to find, together with them, a way to graft something onto their careers that will benefit them.
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Riconsiderare le gerarchie e la felicità nel progetto
EB: Jason Hilgefort, fondatore di L+CC (Land+Civilitation Compositions) da quando ci siamo incontrati alla Biennale di Shenzhen nel 2019 abbiamo spesso discusso insieme sul valore dei progetti, nella pratica professionale come nelle aule universitarie, come qualcosa che dovrebbe essere più ampio dell’architettura in sé. Spunti che, nel tuo caso, ti hanno anche portato a sviluppare progetti di attivismo locale. A questo punto sarei curioso di sapere quale è stato il tuo primo incontro con l’architettura (o la sua idea) e quanto ti ha influenzato?
JH: Se devo andare molto indietro penso a mio padre che, da contadino, decise di iniziare a lavorare nel settore delle costruzioni quando ero un ragazzo. Negli States talvolta si costruiscono case-modello per la vendita immobiliare e ricordo che andavo a visitarle con lui potendo osservare tutti i disegni esecutivi. Di fatto, per me, il primo ricordo è legato all’architettura come costruzione. Un fatto magari banale che riguarda aggiustarne delle parti, e vederla come un’attività d’impresa: forse non esattamente l’architettura con la A maiuscola che tendiamo a rendere come l’unica e rappresentativa. Diverso è stato il momento in cui sono andato all’Università di Cincinnati per studiare pianificazione urbana: ma non fu l’università come istituzione a farmi cambiare idea, quanto lo shock di cominciare a vivere un’esperienza metropolitana. A quel tempo Cincinnati era piena di cantieri di Zaha Hadid, Frank Gehry e Morphosis. La scuola era poi a firma di Peter Eisenman e, aldilà della sua figura emblematica, era interessante il fatto che il grande atrio era stato pensato per mettere continuamente in scena i lavori di studenti di arte, moda, grafica obbligandomi a riflettere oltre la disciplina del progetto. Quindi direi che l’incontro si è consumato come esperienza che si fa dell’architettura come spazio di collisione piuttosto che di un sapere che proveniva dalla cattedra d’insegnamento.
EB: Esiste un punto di innesto per l’insegnamento del progetto di architettura e urbano?
JH: Per rispondere ti cito l’approccio di un mio collega alla HKU, Thomas Tsang. Ha studiato a Cooper Union. Lì, come sai, il progetto è inteso soprattutto come processo creativo, e lui spinge i suoi studenti a costruire come primo progetto uno strumento musicale, funzionante. Non è esattamente il mio approccio, ma da l’idea che sia nell’insegnamento sia nella pratica, sarebbe utile avere una prospettiva, come lui stesso ripete, meno militare e, spesso, tesa nel trasmettere dogmi e prospettive. Personalmente, penso sia più interessante vedere muovere gli studenti in dieci direzioni diverse. Questo porta a pensare il progetto, insegnato o praticato, in una direzione che preferisce i sistemi e le relazioni alle forme. Sono consapevole che queste siano importanti, ma preferisco vedere come gli studenti assumano progressivamente la consapevolezza che i loro “oggetti” siano tali perché spinti da forze esterne, magari lontane, capaci di prendere direzioni inaspettate. Ed è la stessa cosa che cerchiamo di far succedere da L+CC.
EB: Per ottenere questo mi pare ci sia bisogno di avere una certa attitudine o, come dire, performance. In classe come in ufficio. Anche se eviti il termine pedagogia, mi pare ci sia bisogno di ingaggiare un certo tipo di confronto.
JH: In realtà cerco di evitare il più possibile un termine come pedagogia: in aula come in studio sono come mi vedi qui, il modo in cui parlo o mi vesto. Cerco di essere il più casual possibile per dare consistenza al facciamo questo progetto insieme nella maniera più onesta possibile: rilassata e al tempo giocosa (una cosa non scontata nel contesto educativo asiatico). Sai perché? Perché credo che definire bene il tono della conversazione, evitando serietà inutili e magari ridere insieme del fare architettura, permette di trovare piacere in quel casino che chiamiamo processo progettuale. Lo rende più inclusivo per gli interlocutori e, magari tre volte su dieci, evitando l’imbarazzo delle prime idee, e del giudizio, emerge qualcosa di fantastico anche da frammenti che sembravano irrilevanti. Così il progetto è nel mentre e non concentrato soltanto sull’enfasi della performance ad effetto: le presentazioni di fine semestre dei progetti che molti docenti adorano sono dispositivi pericolosi. Trovo più utile aiutarli a comprendere svolte possibili mentre il progetto è messo al centro di una discussione più ampia e meno verticale.
EB: Quindi diresti che il tuo approccio è soprattutto rivolto a rendere curiosi i tuoi studenti?
JH: Non so se userei la parola curiosità. Che sia architettura o paesaggio, credo che sia importante ad un centro punto far accadere che la studentessa o lo studente si chieda: «come diavolo si fanno queste cose?». Ovviamente intendo oltre al mero funzionamento di un oggetto, realizzare in maniera autonoma quale è la passione che ti fa muovere talmente tanto da immaginarti in futuro completamente immerso in questa professione. Si, forse curiosità e passione sono due facce della stessa medaglia, ma vorrei portare l’attenzione al fatto che spesso, qui in Asia, studiare e fare architettura ha sempre voluto dire – non vorrei esagerare con stereotipi – connettersi all’idea di un’industria piuttosto che a un processo creativo. Molti di coloro che sono iscritti vogliono solo costruire roba. Un obiettivo che mi pongo e di provare a dimostrare che c’è ben di più, e nell’incontro con il progetto provare a trovare, con loro, un innesto tutto a favore della loro carriera.
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Edoardo Bruno – Architect and researcher in “Composizione architettonica e urbana” at Dipartimento di Architettura e Design (DAD), Politecnico di Torino
Jason Hilgefort – Urban planner and architect, founder of Land+Civilisation Compositions (Rotterdam, Hong Kong and Shenzhen)